CASA COR CEARÁ 2012

               CASA COR CEARÁ       2012

A CASA COR CEARÁ 2012 com o tema “Moda.Estilo.Tecnologia”,apresenta uma edição  com 40 ambientes assinados por 56 profissionais, retratando o universo fashion cada vez mais presente nos projetos de decoração. Neste ano, três grandes nomes do Estado ganham destaque: o empresário Everardo Telles; o estilista Lino Villaventura; e o humorista, pintor, escritor e ator Chico Anysio, que recebe homenagem especial no ambiente “Studio do Chico”, assinado pela arquiteta Renata Targino, Um espaço projetado para retratar as diferentes facetas de Chico Anysio. O ambiente conta com acervo pessoal da família de Chico Anysio, que estão expostos especialmente para a mostra, com objetos do ator como crachá da Rede Globo, roupas de personagens, carteira de trabalho, fotos, cartas escritas para a esposa, entre outros.
 Aproveitando o Ano de Portugal no Brasil – Brasil em Portugal (2012-2013), a Casa Cor Ceará, em iniciativa conjunta com a Câmara Brasil-Portugal no Ceará (CBP-CE), homenageia Portugal durante no evento.

Studio do Criador de Moda

O arquiteto André Monte assina o projeto do Studio do Criador de Moda que me chamou muito atenção. Com 42m², ambiente é uma das edificações externas e conta com inspiração nos grandes estilistas do século XX.  A inspiração para criar o espaço foi nos elementos da moda como estampas, texturas e cores. A ideia do estúdio é que sirva como refúgio do estilista, para poder criar, ler... O programa de projeto é misto em morada e local de trabalho, onde contempla espaços como sala de estar, espaço gourmet, local de trabalho e lavabo.“A escolha do papel parede La Vinci, foi uma busca em estimular o toque a aconchego ao Lavado, anexo ao ambiente. Buscávamos uma textura sofisticada, elegante e que tivesse esse apelo sensorial do toque, tudo aliado ao efeito nobre da cor dourada. O papel parede escolhido transmite tudo isso além da praticidade de ser lavável e de fácil aplicação.” (André Monte). De todo o cenário a peça preferida de André é mesa de trabalho, pois sintetiza essa área da criação. A mistura de uma mesa do século 19 com uma cadeira moderna. A mistura de materiais também marcam presença, com madeiras laqueadas, texturas rústicas, tecidos nobres, cristais, pedras ( mármore-onix uma pedra paquistanesa translucida e menos porosa). Outro ponto forte é a iluminação automatizada que combina micro-lâmpadas, fitas de LED e peças italianas.
Tanta criatividade resultou em um ambiente contemporâneo que se refere a Art Déco, com base em cores sóbrias como preto, branco, dourado, bege e bordô.

Mirante Verdes Mares

Mirante Verdes Mares assinado por Cláudio Silveira, simplicidade mas com  aconchego, localizado estrategicamente para que o público contemple o movimento da cidade. Usando bastante madeira, no mobiliário rústico e na cobertura tecida com ripas, o espaço conta com o apoio de uma cozinha moderna com uma geladeira turqueza. E vai ser o palco da entrega de premios no final da exposição.

Loft da Praia

Um ambiente chama a atenção  por suas características de sustentabilidade, será reproduzido em algum ponto da costa cearense, segundo as informações do arquiteto Ricardo Accioly, que trabalho nele ao lado de Maria José Lopes. Além de conservar um coqueiro que estava no local antes da construção, o Loft da Praia com sua fachada envidraçada voltada ao nascente de forma a aproveitar toda a ventilação e iluminação naturais, além, da parede dupla no lado do poente para fazer o isolamento térmico: "O proprietário só utilizará ar-condicionado se quiser".
O Loft da Praia é espaço de multiuso, os arquitetos Ricardo Accioly e Maria Jose Lopes, desenvolveram o tema praia, muito atual nos dias de hoje. O loft apresenta uma sala com varanda e cozinha com sala. Eles mesclam o urbano com a praia, causando um efeito aconchegante e moderno. Os tons claros são a marca pessoa de Maria Jose, assim outros objetos de destacam no ambiente. O mais interessante é que essa casa é feita de forma que possa crescer e acrescentar cômodos, sala, quarto. Algo sofisticado e moderno!

Closet e Banheiro do Casal

A boa ideia de Luce Galvão de Sá foi integrar sala de banho e closet em um espaço. A bancada com cubas vira divisória e as paredes são esculturas em pedra. O Papel de Parede Texturizado Personalizado e o Painel Fotografico tem a marca Forsign Ambientações, com a criação da Arqta Luce Galvão. O espelho bronze casam os  tons de bege dos móveis para uma ambientação glamourosa e sofisticada.

Lounge Gourmet

O Lounge Gourmet, o ambiente combina tecnologia, pedra e madeiras rústicas, com estrutura geométria e vazada na fachada pintada em branco e remete a uma estampa moderna além de permitir a entrada do vento, é assinado por Cesar Fiuza e Cesar Fiuza Neto. Desenvolveram um espaço em 55m², cercado pela natureza, Internamente o espaço é caracterizado pela cor vermelha e preta, incluindo bancada de pedra e equipamentos da linha italiana Elettomec  ( Seus designs exclusivos tornam qualquer projeto de arquitetura diferenciado e com personalidade. )  fornecidos pela Hometech, um fogão cooktop ( sem chamas ) sobre uma pedra silestone fabricada em israel (diz-se que silestone é muito mais superior ao granito em muitos aspectos. As bancadas Silestone são feitas a partir de quartzo e de resina.) O aconchego da madeira é bem representado no piso ( Eucafloor), no forro em MDF madeirado da Eucatex e nos tampos da mesa.

TF prf AC

ESPAÇO CULTURAL UNIFOR

Espaço Cultural UNIFOR apresenta três grandes exposições até 20 de janeiro de 2013

De 26 de outubro a 20 de janeiro, o Espaço Cultural Unifor apresenta três grandes exposições. Guerra e Paz, de Portinari [estudos], com obras originais do pintor brasileiro e os estudos sobre os painéis “Guerra” e “Paz”; O Egito Sob o Olhar de Napoleão, com 35 peças raras entre livros e gravuras; e Acervo da Fundação Edson Queiroz, com obras modernistas e contemporâneas.
A visitação ao Espaço Cultural Unifor é gratuita. Pode ser feita de terça a sexta-feira, das 8h às 18h, e aos sábados e domingos, das 8h às 18h. Há, ainda, a opção de agendar visitas guiadas por meio do Projeto Arte-Educação, que atende crianças e adolescentes pertencentes à rede pública e privada de ensino.

Guerra e Paz, de Portinari [estudos]

O Projeto Portinari e a Universidade de Fortaleza trazem à capital cearense a primeira exposição de obras originais de Candido Portinari (1903-1962). A exposição é composta por cerca de 50 estudos originais - junto a documentos históricos, entre cartas, jornais da época e fotografias - sobre as obras emblemáticas do pintor brasileiro: “Guerra” e “Paz”. Os estudos originais preparatórios para os painéis contam, em detalhes, a trajetória de criação das obras monumentais doadas pelo governo brasileiro para a sede das Nações Unidas, em Nova York, em 1956. A exposição conta ainda com emocionante conteúdo audiovisual, o Carroussel Raisonnè: uma imagem da diversidade e criatividade de Portinari, como o próprio pintor nunca viu. 

Exposição Cândido Portinari

"GUERRA E PAZ"

Cândido Portinari, foi um artista plástico brasileiro, filho de imigrantes italianos. Seu primeiro contato com a pintura foi aos 14a como ajudante de um grupo de pintores e escultores italianos que atuava na restauração de igrejas. Aos 15a foi para o Rio de Janeiro para estudar na Escola Nacional de Belas Artes.  Portinari começa a se destacar e chamar a atenção tanto de professores quanto da própria imprensa. Tanto que aos 20 anos já participa de diversas exposições, ganhando elogios em artigos de vários jornais. Em 1928 Portinari deliberadamente prepara uma tela com elementos acadêmicos tradicionais e finalmente ganha a medalha de ouro e uma viagem para a Europa. Os dois anos que passou vivendo em Paris foram decisivos no estilo que consagraria Portinari. Em 1946 Portinari volta ao Brasil renovado.  Aos poucos o artista deixa de lado as telas pintadas a óleo e começa a se dedicar a murais e afrescos.Portinari pintou quase cinco mil obras. Portinari hoje é considerado um dos artistas mais prestigiados do país e foi o pintor brasileiro a alcançar maior projeção internacional.
As telas Meninos e Piões e Favela são parte do acervo permanente da Fundação Maria Luisa e Oscar Americano. Seu maior acervo sacro, entre pinturas e afrescos, está exposto na Igreja Bom Jesus da Cana Verde, centro da cidade de Batatais, interior de São Paulo, situada a 16 quilômetros de sua cidade natal, Brodowski. São 23 obras, incluindo 2 retratos

Entre suas obras mais prestigiadas e famosas, destacam-se os painéis Guerra e Paz (1953-1956)que foram presenteados em 1956 à sede da ONU de Nova Iorque. Em novembro de 2010, depois de 53 anos, elas voltaram ao Brasil e foram exibidas no Teatro Municipal do Rio de Janeiro.
Guerra e Paz são dois painéis de aproximadamente, 14 x 10 m cada, um  representa  guerra, o outro representa a paz, produzidos pelo pintor brasileiro Cândido Portinari, entre 1952 e 1956, os painéis Guerra e Paz foram pintados a óleo sobre madeira compensada naval.  Por seu trabalho com os painéis, Portinari foi agraciado em 1956 com o prêmio concedido pela Solomon Guggenheim Foundation de Nova York. Em 1956, foram expostos numa cerimônia no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, que contou com a presença do então Presidente Juscelino Kubitschek. Em 1956. Em 2007  0 anúncio de uma grande reforma no edifício sede da ONU entre 2010 e 2014 proporcionou a oportunidade inédita de expor os painéis "Guerra e Paz" no Brasil e no exterior.

A força das imagens de desespero, em "Guerra", e de esperança, em "Paz", impressionam, mas também a história da pintura. Portinari (1903-1962) já sofria efeitos da intoxicação por tintas que o mataria, teve de trabalhar num galpão de Botafogo sob temperatura de 40ºC.
Durante o período de criação dos murais Guerra e Paz, Portinari foi proibido de pintar pelos médicos, na tentativa de freiar o processo de envenenamento pelas tintas que o pintor sofria. Mas Portinari não recuou ao desafio e ao trabalho maior de toda a sua vida. Guerra e Paz seria o coroamento na trajetória de vida de Portinari, que não pintava apenas por pintar. Para a imensa tarefa, o artista teve o auxílio de Enrico Bianco e de Rosalina Leão. Segundo Bianco, não há um centímetro quadrado nos painéis que não tenha a pincelada de Portinari, que usou pincéis pequenos, para quadros de cavalete, não pincéis maiores… E em nove meses, cobriu, pincelada a pincelada, usando as tintas proibidas, dois monumentais paredões de 14m de altura e 10m de largura.

Portinari faleceu em 6 de fevereiro de 1962.

Mensagem enviada por Portinari à Conferência Cultural e Científica para a Paz Mundial em NY, em 1949 (convidado a participar da Conferência, o pintor ficou impossibilitado de comparecer porque a embaixada americana lhe negou o visto de entrada no país por razões políticas): “A luta pela Paz é uma decisiva e urgente tarefa. É uma campanha de esclarecimento e de alerta que exige determinação e coragem. Devemos organizar a luta pela Paz, ampliar cada vez mais a nossa frente anti-guerreira, trazendo para ela todos os homens de boa vontade, sem distinção de crenças ou de raças, para assim unidos, os povos do mundo inteiro, não somente com palavras mas com ações, levar até a vitória final a grande causa da Paz, da Cultura, do Progresso e da Fraternidade entre os povos.”

As obras estão expostas em um ambiente de piso claro e parede em tom marfim deixando as obras em evidência.

O Egito Sob o Olhar de Napoleão

Em O Egito Sob o Olhar de Napoleão, com curadoria do arqueólogo Vagner Carvalheiro Porto, das 35 peças a serem exibidas, 21 fazem parte de Description de l’Egypte, coleção publicada em Paris entre 1809 e 1822, que descreve a expedição científica e militar liderada pelo general Napoleão Bonaparte àquele país do Oriente. A obra é reconhecida como o mais importante estudo erudito europeu do Egito antigo e moderno. Os livros acompanham 14 reproduções fotográficas das matrizes em cobre pertencentes ao Museu do Louvre, em Paris. Organizada em cinco seções: Cartografia, Religião, Arquitetura, Egito Moderno e História Natural, a exposição apresenta 13 dos 21 volumes da Description de l’Egypte, com gravuras e alguns com mais de um metro de altura, abertos em página fixa, dentro de uma vitrine. O fundo preto das vitrines evidenciava as obras valorizando-as. A cor do piso e as paredes em um tom pastel claro o que deixava as vitrines em destaque. No centro do ambiente, monitores com informações, tornando a observação mais rápida.

Acervo da Fundação Edson Queiroz

A Fundação Edson Queiroz reúne em uma exposição, pela primeira vez, obras do seu acervo. A mostra permite uma viagem pela arte moderna brasileira, contribuindo não apenas para a discussão sobre o período, mas também sobre o seu legado para a arte contemporânea. A exposição apresenta parte significativa das obras pertencentes ao acervo da Fundação Edson Queiroz. São 52 peças raras, entre pinturas, gravuras e esculturas, criadas por 28 dos mais representativos nomes da arte brasileira do século XX. 

No geral toda a exposição está em ambientes adequados amplos e bem distribuídos,  com uma boa iluminação, climatizados, as obras em um destaque adequado, boa visibilidade, em harmonia com o ambiente e boas informações.

SERVIÇO
Guerra e Paz, de Portinari [estudos], O Egito Sob o Olhar de Napoleão & Acervo da Fundação Edson Queiroz
Local: Espaço Cultural Unifor
Visitação: De 26 de outubro de 2012 a 20 de janeiro de 2013
Horário: De terça a sexta-feira, das 8h às 18h, e aos sábados e domingos, das 8h às 18h
Mais informações: 3477 3119

FONTE http://www2.tjce.jus.br:8080/esmec/?p=10094

SESSESSION / WIERNER WERKSTÄTE

Vienna Secession

A Secessão de Viena (também conhecida como União dos Artistas austríacos , ou Bildender Vereinigung Künstler Österreichs ) foi formada em 1897 por um grupo de artistas austríacos, que tinha renunciado da Associação dos Artistas austríacos, alojados no Künstlerhaus Viena . Esse movimento incluiu pintores, escultores e arquitetos. O primeiro presidente da Secessão foi Gustav Klimt , e Rudolf von Alt foi nomeado presidente honorário. Sua revista oficial foi chamado de " Ver Sacrum ".

O edifício secessão em Viena, construído em 1897 por Joseph Maria Olbrich para exposições do grupo de secessão

Uma vista da construção de secessãocom foco na cúpula.

Secessão de Viena foi fundada em 03 de abril de 1897 por artistas Gustav Klimt , Koloman Moser , Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , Max Kurzweil , e outros. Apesar de Otto Wagner é amplamente reconhecido como um membro importante da Secessão de Viena, ele não era um membro fundador. Os artistas Secession objecções ao conservadorismo predominante da Künstlerhaus Viena com sua orientação tradicional para historicismo .Os Berlim e Munique Secession movimentos precedida da Secessão de Viena, que realizou a sua primeira exposição em 1898.

O grupo ganhou um crédito considerável ^{[ esclarecimentos necessários ]} para a sua política de exposição, o que fez o impressionistas franceses pouco familiar ao público vienense. A exposição Secessão 14, projetado por Josef Hoffmann e dedicado a Ludwig van Beethoven , foi especialmente famoso.Uma estátua de Beethoven por Max Klinger estava no centro, com Beethoven Klimt friso montado em torno dele.

Em 1903, Hoffmann e Moser fundou a Werkstätte Wiener , como uma sociedade de belas-artes, com o objetivo de reformar as artes aplicadas (artes e ofícios).

Em 14 de junho, 1905 Gustav Klimt e outros artistas deixaram a Secessão de Viena, devido a diferenças de opinião sobre conceitos artísticos.

Estilo de os separatistas

Os Beethovenfries , criados por Gustav Klimt , está alojado no piso inferior.

Ao contrário de outros movimentos, não há um estilo que une o trabalho de todos os artistas que fizeram parte da Secessão de Viena. O edifício Secession poderia ser considerado o ícone do movimento. Acima de sua entrada foi colocada a frase "Der Zeit ihre Kunst. Der Freiheit ihre Kunst". ("Para cada época sua arte. À arte a sua liberdade."). Secession artistas estavam preocupados, acima de tudo, com a exploração das possibilidades de arte fora dos limites da tradição académica. Eles esperavam para criar um novo estilo que não deve nada à influência histórica. Dessa forma, eles eram muito de acordo com o espírito iconoclasta de turn-of-the-century Viena (a hora eo local que também viu a publicação de Freud 's primeiros escritos).

O estilo secessionista foi exibido em uma revista que o grupo produziu, chamado Ver Sacrum , que contou com grande efeito decorativo representante obras do período.

Arquitetura

Jugendstil corujas - Detalhe da fachada do Edifício da Secessão vienense. Estes projetos para a decoração do edifício fachada são atribuídos a Koloman Moser .

Junto com pintores e escultores, havia vários arquitetos de destaque que tornou associado com a Secessão de Viena. Durante este tempo, os arquitetos focados em trazer formas mais puras geométricas nos projetos de seus edifícios. Os três principais arquitetos desse movimento foram Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , e Otto Wagner . Arquitetos separatistas muitas vezes decoradas a superfície de seus edifícios com ornamentação linear de uma forma comumente chamado efeito chicote ou estilo enguia.

Em 1898, a casa do grupo de Exposições foi construído nas proximidades da Karlsplatz . Projetado por Joseph Maria Olbrich, o edifício de exposições logo se tornou conhecido simplesmente como "Secessão" ( Sezession die ). Este edifício se tornou um ícone do movimento. O edifício secessão exibido arte de vários outros artistas influentes como Max Klinger , Eugene Grasset , Charles Rennie Mackintosh , e Bocklin Arnold .

Majolika Otto Wagner Haus em Viena (c. 1898) é um exemplo significativo do uso da linha austríaca. Outras obras importantes de Otto Wagner incluem o Karlsplatz Stadtbahn Station , em Viena (1900), e O austríaco Postal Savings Bank ou Österreichische Postsparkasse em Viena (1904-1906).

Maneira de Wagner de modificar Art Nouveau decoração de uma maneira clássica não achar graça com alguns de seus alunos que se separou para formar os separatistas. Um era Josef Hoffmann, que deixou para formar o Werkstätte Wiener , um equivalente austríaca dos movimento Arts and Crafts . Um bom exemplo de seu trabalho é o Palácio Stoclet , em Bruxelas (1905).

Comemoração

Outros artistas Secession

• Júlio Exter
• Richard Gerstl
• Max Fabiani
• Carl Holzmann
• Oskar Kokoschka
• Jože Plečnik
• Carl Moll
• Koloman Moser
• Egon Schiele
• Malva Schalek
• Othmar Schimkowitz
• Joseph Maria Olbrich
• Maximilian Pirner

- Viena, Secessão

A secessão é uma associação de arte nasceu em 1897, quando um número de artistas vienenses não está feliz com o "Künstlerhaus" (estabelecimento de Viena arte oficial) fundou uma nova associação.Eles consideraram a associação de artistas tradicionais "muito conservador. Em 1898, J. M Olbrich construído o edifício que você pode ver aqui, onde algumas das obras destes artistas são exibidos.

Na frente da Secessão há um mercado de rua, vamos dar-lhe um olhar ...

Fonte :http://en.wikipedia.org/wiki/Vienna_Secession

INTRODUÇÂO AO DESIGN

Design ou desenho industrial é a idealização, criação, desenvolvimento, configuração, concepção, elaboração e especificação de algo direcionado para o uso. Essa é uma atividade estratégica, técnica e criativa, normalmente orientada por uma intenção ou objetivo, ou para a solução de um problema.

História

Mesmo estando presente em vários momentos da história da civilização, como busca da união da estética dos objetos às suas funcionalidades, a utilização das práticas do que viria se tornar o desenho industrial tomou corpo na Revolução Industrial, em meados do século XIX. Entretanto, como disciplina, o desenho industrial como se concebe hoje em dia surgiu na primeira década do século vinte, no meio cultural e industrial alemão.

O senso comum costuma perceber o desenho industrial apenas pelas suas intervenções estéticas. Entretanto, uma importante preocupação do design é unir a forma e a função desse objeto, e como ele se relaciona com o usuário. E, em um processo de retroalimentação, as intervenções do desenho industrial no produto acabam, inclusive, por otimizar suas funções.

O crescimento e aperfeiçoamento da produção industrial contemporânea aumenta a importância da concepção e acabamento formal dos produtos. Na construção de um produto, os designerslevam em conta valores estéticos que possam ser aliados aos aspectos de funcionalidade do mesmo, permitindo seu melhor posicionamento no mercado. Bens podem se tornar mais desejados apenas com alterações em sua abordagem de desenho industrial.

Esse mesmo processo tem tornado os requisitos de projeto cada vez mais complexos, e por isso incentivado o aparecimento de muitas especializações dos designers. Dentre mais comuns na actualidade se encontram:

• Design estratégico
• Design de comunicação
  • Design de som
  • Design visual
    • Design gráfico
      • Tipografia
      • Design editorial
      • Design institucional
    • Design digital
      • Design de hipermídia
      • Web design
      • Design de jogos
• Design de produto
  • Design automobilístico
  • Design de embalagem
  • Design de mobiliário
• Design de moda
  • Design de joias
  • Design de estampa
• Design de ambientes
  • Design de interiores
  • Design' de iluminação
  • Design de sinalização
• Design de interação
• Design de interfaces
• Design de serviços

Existem ainda actividades que se auto-identificam com a expressão designer mas sem qualquer relação com a actividade de projecto propriamente dita. Exemplos incluem hair designer (paracabeleireiro), cake designer (para confeiteiro) e body designer (para tatuador).

Estudo

O estudo do design sempre esteve ligado a outras áreas do conhecimento como a psicologia, a teoria da arte, a comunicação e a ciência da cognição. No entanto, o design possui um conhecimento próprio que se desenvolveu através da sua história, mas tem se tornado mais evidente nos últimos anos. Isso pode ser percebido pela criação de cursos de doutorado e mestrado específicos sobre design, no Brasil e no resto do mundo.

Alguns pesquisadores vem buscando compreender melhor esse conhecimento próprio, que segundo alguns constitui uma filosofia do design. 

Estudam as hipóteses, fundações, e implicações do design. O campo é definido por um interesse em um conjunto de problemas, ou interesse nas preocupações centrais ou fundamentais do design. Além desses problemas centrais para odesign como um todo, muitos filósofos do design consideram que esses problemas como aplicados às disciplinas específicas (por exemplo, a filosofia da arte).

O filósofo tcheco naturalizado brasileiro Vilém Flusser estudou a relação entre os objetos e os seres humanos, com especial atenção a fotografia. Ele dava ao design uma importância central na criação da cultura, principalmente na cultura contemporânea. 

Um exemplo desse tipo de conhecimento é o estudo da tipografia, sua história e seu papel na estruturação do conhecimento humano.

Entretanto, essas concepções do design ainda apresentam muitos conflitos, de forma que várias abordagens mais ou menos diferentes coexistem atualmente. Entre elas:

• Design Universal
• Eco-design
• Styling
• Forma segue a função
• Design minimalista ou Less is more
• Design centrado no usuário
• Design thinking

Problema etimológico

Em inglês, a palavra design pode ser usada tanto como um substantivo quanto como um verbo. O verbo refere-se a um processo de dar origem e então desenvolver um projeto de algo, que pode requerer muitas horas de trabalho intelectual, modelagem, ajustes interativos, e até mesmo processos de re-design, ou seja, o verbo é sinônimo em português de projetar. O substantivo se aplica tanto ao produto finalizado da ação (ou seja, o produto do design em si), ou o resultado de se seguir ao plano de ação, assim como também ao projeto de uma forma geral.

Estudos etimológicos de Luis Vidal Negreiros Gomes indicam que também no português existem essas nuances de significado, com as palavras debuxo como traçado e desenho como projeto, comportanto toda a riqueza de significados do diseño. A questão do pouco uso das variantes linguísticas do desenhar (desenhador, desenhismo, desenhante, desenhística, desenhamentos) e do debuxar (debuxos técnicos) no Brasil reflete na verdade a atrofia que as áreas criativas e técnicas sofreram na educação. O arquiteto brasileiro João Batista Vilanova Artigas, em um ensaio intitulado O desenho, faz referências ao uso durante o período colonial da palavra desenho com significado de desejo ou plano.

Na Bauhaus, adotou-se a palavra Gestaltung, que significa o ato de praticar a Gestalt, ou seja, lidar com as formas, ou formatação. Quando traduzida para o inglês, adotou-se design, já usada para se referir a projetos.

FONTE: http://pt.wikipedia.org/wiki/Design#Hist.C3.B3ria